Brilliant Adventure (1992-2001), a última edição da série contínua de box sets de David Bowie abrangendo cada era de sua carreira, é um documento definidor para os fãs de uma determinada faixa. O consenso prevalece nas primeiras décadas: os anos 1970 foram brilhantes, os anos 80 inicialmente brilhantes, depois ridículos. Em contraste, os anos 90 continuam a ser um problema ao vivo, dividindo os fãs quanto a se Bowie estava fazendo um novo trabalho vital ao se envolver com as tendências prevalecentes ou simplesmente assignando-as na esperança de que seu sucesso fosse transmitido. Com cada álbum que coleciona dando uma virada à esquerda em relação ao som de seu predecessor imediato, Brilliant Adventure faz um caso indiscutível para o antigo ponto de vista: Este Bowie correu muitos riscos - e esses riscos valeram a pena.
A peça central do box set 18xLP, e seu ponto de venda, é Toy . Um dos proverbiais álbuns perdidos de Bowie, Toy foi originalmente gravado em 2000 com membros de sua banda em turnê tocando novas versões rápidas e soltas de algumas das primeiras canções de Bowie, principalmente anteriores ao estrelato pós-“Space Oddity”. Isso fala tanto da inquietação de Bowie como artista quanto da disposição de arriscar-se ao constrangimento a serviço dessa inquietação de que ele revisitaria sua juventude, muito menos fazer um registro inteiro com o projeto.
O álbum foi subsequentemente perdido na programação aleatória da então gravadora de Bowie, EMI / Virgin, antes de ser totalmente arquivado. Em vez de se fixar no cancelamento, Bowie mudou para um trabalho totalmente novo, e Toy foi relegado à lenda dos fãs. As músicas das sessões saíram como lados B, exclusividades digitais e, em 2011, um vazamento completo; Brilliant Adventure - e o próximo conjunto Toy: Box - é a primeira vez que este material foi oficialmente disponibilizado como um álbum completo.
O registro resultante é um saco misto. Bowie e sua banda se dão bem: “É o som de pessoas felizes em tocar música”, como diz o co-produtor Mark Plati. Mas esses profissionais experientes muitas vezes falham no material, perdendo o charme decrépito dos originais - transformando o som de Swinging London, proto-reggae de "I Dig Everything" em um roqueiro arrogante, ou suavizando as arestas de sexed-up, pílula- popping mod faixas como "You Got a Habit of Leaving" e "Baby Loves That Way." Em muitos casos, as versões originais soam mais vanguardistas do que os remakes, apesar das décadas de interferência de Bowie nas trincheiras do art-rock.
A faixa mais forte do set é “Shadow Man”, gravada pela primeira vez como uma demo das sessões de Ziggy Stardust . Nesta versão, o rico croon de Bowie é acompanhado por uma seção de cordas e o piano de Mike Garson, transformando a música em uma meditação adorável e lírica sobre nosso eu secreto; ele se beneficia da sabedoria que Bowie acumulou com a idade. Em outro lugar, vocais de apoio arrebatadores combinam com a seção de cordas para dar a "Silly Boy Blue" um outro lindo, enquanto "Toy (Your Turn to Drive)", a única música recém-escrita para a coleção, extrai a beleza e o pathos do piano de chuva de Garson e um refrão feliz, sem palavras, de duas notas. Mesmo que Toy tenha servido principalmente como um modelo para o rock neoclássico dos álbuns subsequentes de Bowie, Heathen de 2002 e de 2003Realidade , esses destaques fazem valer a pena.
Os álbuns dos anos 1990 relançados aqui, no entanto, contam melhor a história. Após um período na selva da música pop, esta é a década durante a qual Bowie reafirmou seu papel como o padrinho da música alternativa, em praticamente qualquer forma que tenha assumido. (O elo que faltava entre este box set e seu equivalente nos anos 1980, Loving the Alien, são os dois discos que ele gravou com sua banda de rock injustamente insultada, Tin Machine; vou apenas dizer "Justice for 'You Belong in Rock n' Roll ' " e sair Na época, acusações de Bowie obstinado e fanático por tendências, por motivos que agora parecem cada vez mais idiotas - quem não gostaria de ouvi-lo atacar a indústria ou a selva? Este é o tipo de jogo de gênero que rendeu dividendos com sua canção de cisne com inflexão de vanguarda, Blackstar, duas décadas depois.
O flerte de Bowie com os sons eletrônicos e dançantes da era começou com Black Tie White Noise de 1993 , uma reunião não apenas com o produtor do Let's Dance , Nile Rodgers (que se sentiu frustrado pela recusa de Bowie em gravar sucessos), mas também com seus colegas de banda da era glamour, o guitarrista Mick Ronson e o pianista Mike Garson, o último dos quais continuou a trabalhar com Bowie por anos. (Infelizmente, Ronson morreu logo após gravar o cover um tanto anêmico de dance-beat de "I Feel Free" do Cream, e o potencial perdido de sua reunião é um dos grandes "e se" da carreira de Bowie.)
Mesmo quando trabalha com antigos colaboradores, Bowie resiste a cair em velhos hábitos. Em Black Tie , ele medita sobre sua felicidade de recém-casado com Iman - a abertura instrumental "The Wedding" e sua continuação lírica "The Wedding Song" - e o estado das relações raciais na América: uma versão gospel do Ziggy pastiche de Morrissey “I Know It Is Going to Happen Someday,” ou o dueto maníaco da faixa-título com o vocalista do New Jack Swing Al B. Sure !. Uma linha de baixo copiada de "Cavern" de Liquid Liquid , ou talvez de "White Lines" do Grão-Mestre Melle Mel , impulsiona tanto as canções de "Wedding" quanto o cover crescente de "Nite Flights" dos Walker Brothers, o último dos quais é um bom motivo. como qualquer outro para explorar este registro.
As coisas começam a ficar interessantes com O Buda do Subúrbio, de 1993 . O álbum mais esquecido da obra de Bowie, ele começou como trilha sonora para a adaptação cinematográfica da BBC2 do romance homônimo de Hanif Kureishi. Bowie aceitou essa missão e a seguiu - no final das contas, apenas a faixa-título entrou no filme - trabalhando com o colaborador multi-instrumentista de longa data Erdal Kızılçay em um conjunto de canções fascinantemente excêntricas: a quase industrial "Bleed Like a Craze, Dad" com sua referência trocista aos gangsters ingleses, os Krays; a linda peça ambiente “Os Mistérios”; a dolorosamente romântica “Strangers When We Meet” (regravada para o lançamento subsequente de Bowie 1. Outside) com seu lindo jogo de palavras "calcanhar de cabeça para baixo"; a direção e agridoce "Dead Against It". Seus instrumentais e experimentos servem como uma ponte sônica de volta ao Bowie of Low e “ Heroes ”, enquanto também apontam o caminho para os álbuns que virão.
A imagem de Bowie de meados ao final dos anos 90 como um criador de ruído de “música alternativa” realmente floresceu com 1. Outside . Uma reunião com o colaborador da Berlin Trilogy, Brian Eno , é também o álbum que ele fez turnê com The Downward Spiral --era Nine Inch Nails - colocando Bowie no radar de qualquer garoto vestido de preto dos anos 90 - e compartilha o talento simultâneo de Trent Reznor para melodia e caos . Entre faixas faladas que revelam o mistério do assassinato de Twin-Peaks -meets-Damien-Hirst no mundo da arte, este álbum conceitual apresenta maravilhas melódicas como "The Motel" e "Thru 'These Architects Eyes", além de pulsante sucessos como “Hallo Spaceboy” - um cenário ao vivo para os próximos anos - e a Rodovia Perdidadestaque da trilha sonora “I'm Deranged”. 1. O conceito de álbum de Outside tem seus detratores, especialmente porque as propostas segundo e terceiro episódios de uma nova "trilogia" do Eno que completaria a história nunca deram certo. Além disso, a Trilogia de Low, “Heroes” e Lodger de Berlim é um ato quase impossível de seguir. Mas é o som de Bowie no seu estado mais faminto, ansioso para mostrar às crianças como se faz.
As tendências do abutre de cultura de Bowie e sua habilidade de criar retratos duradouros de uma época e lugar atingem a apoteose dos anos 90 em Terráqueo de 1997 . Apresentando batidas de selva completas em várias faixas, é também uma vitrine para Reeves Gabrels, o mais antigo guitarrista principal de Bowie, cujas rajadas e solos crescentes deram ao álbum uma energia anárquica que combinou com o retorno do cabelo laranja-fogo de Bowie e seu casaco Alexander McQueen Union Jack esfarrapado. Simplificando, este é um registro de bangers quase de parede a parede, desde os destaques de bateria e baixo "Little Wonder" e "Battle for Britain (The Letter)" para a batida "Dead Man Walking" (uma saudação a Neil Young e Crazy Horse, de todas as coisas) e "A última coisa que você deve fazer."
Ironicamente, a reivindicação do disco à fama da cultura pop nos Estados Unidos é uma versão da faixa “I'm Afraid of Americans” regravada pelo Nine Inch Nails que nem está presente no álbum propriamente dito. Independentemente disso, Earthling é muito mais o Young Americans ou o Let's Dance de sua época, uma coleção muscular de sons club contemporâneos refeitos à imagem de Bowie. Ele merece um lugar no panteão ao lado de seus antecessores.
Então, de repente, Bowie pisou no freio. Ele desligou os experimentos e abaixou o volume em 'horas ...' , seu esforço extremamente gentil - gentil? - 1999. Embora Gabrels compartilhasse um crédito de composição em todas as canções, é facilmente o lançamento mais suave de Bowie da década, uma ruptura com o passado recente marcada por um Bowie sombrio e de cabelo comprido embalando sua encarnação anterior de cabelos espetados, Pietà-estilo na capa. A faixa principal, "Thursday's Child", é um destaque melódico, e o encerramento "The Dreamers" é uma meditação completa sobre o envelhecimento, apresentando Bowie em seu sutiã, mas muito do ínterim - o monótono "What's Really Happening" e seus furto impensado da linha vocal de “You Keep Me Hangin 'On,” o roqueiro medonho “The Pretty Things Are Going to Hell” e seu retorno titular para o vastamente superior “Oh! You Pretty Things ”e o festival de abate de Iggy and the Stooges, produzido por Bowie,“ Your Pretty Face Is Going to Hell ”- classificou-se entre os trabalhos mais fracos de Bowie.
Brilliant Adventure é complementado por um par de coleções extensas. Re: Call 5 é uma compilação de três discos de contribuições de trilha sonora, B-sides, edições de single e remixes, pesada em edições de rádio superficiais e leve em remixes ou novas faixas de interesse, o remix distinto de "Hallo Spaceboy" dos Pet Shop Boys exceto. (Sério, onde estão as versões Ice Cube e Photek de “I'm Afraid of Americans”?) O superior BBC Radio Theatre, Londres, 27 de junho de 2000 é uma retrospectiva da carreira de disco duplo da mesma banda que tocou com Bowie a alguns dias antes em Glastonbury e quem iria trabalhar com ele em Toy; o ambiente íntimo funciona muito melhor para os jogadores profissionais de sessão do que a expansão do festival, apesar de dezenas de milhares de fãs.
Será que Bowie, que agradou ao público, que conquistou o palco de Glasto como uma tempestade, poderia ter emergido sem primeiro acumular seu catálogo itinerante dos anos 90? Eu diria que a resposta é não. Por um lado, há toda uma geração, incluindo eu, que comprou seus primeiros discos de Bowie neste período, especificamente por causa de seu envolvimento com as cenas da música eletrônica underground da época; sem dúvida, havia alguns de nós no público do festival. Mas, o mais importante, Bowie ficou mais confortável em sua própria pele, mais uma vez, experimentando a pele de outras pessoas. É como ele colocou seu período de estrela pop dos anos 80, um que ele lamentou amplamente, para dormir, renovando sua confiança e permitindo-lhe apresentar material novo e antigo com vigor e arrogância renovados. Como sempre fazia no seu melhor, o Bowie da Brilliant Adventure seguiu sua felicidade, onde quer que o levasse.