O trabalho de Asha Sheshadri envolve narração investigativa de ocorrências observacionais, parecendo às vezes ordinário em conteúdo, mas profundamente intrigante. Onde há contexto a ser encontrado, o ouvinte pode ser transportado para algum lugar familiar por um momento antes de ser dissecado novamente, reanalisado e exportado para a continuação de um ambiente inquietante.
Com “Interior Monologues” nos encontramos sendo escoltados pela voz de Sheshadri até uma sala de um museu, escondida de seus observadores. Nossos arredores estão sendo descritos para nós por um anúncio nauseante, consistentemente interposto por seus próprios loops de pensamento que mudam de fidelidade para ajustar o contraste do que está sendo transmitido e o que ainda está para entender sobre onde estamos. Por mais desorientador que seja, fica claro que há uma profundidade de informação para consumir nesse lugar. Memórias de uma velha melodia de rádio emergem e se dissipam enquanto vasculhamos uma colagem de explicações e relatos de algo enigmático, mas também vívido. Há uma cifra inebriante caindo fora do alcance de nossa consciência, enquanto concluímos nossa visita com uma resolução repentina.
Em seu ensaio de 1978 Sound Poetry: A Survey , o poeta Steve McCaffery traça três eras distintas do campo. Ele observa o primeiro período “paleotécnico” definido pelas estruturas de canto – pense em rimas infantis e pular corda. Mais tarde vieram os dadaístas e futuristas, cujo desejo de separar as palavras do significado semântico permitiu um foco em suas propriedades acústicas. Então o gravador chegou, permitindo que os praticantes trabalhassem além das limitações do corpo humano. A poesia sonora, afirma ele, trata de sentir a insuficiência da linguagem e, como resultado, encontrar novas possibilidades de expressão. Uma declaração conclusiva está no cerne de seu texto: “[A poesia sonora] é, antes de tudo, uma prática de liberdade”.
A música de Asha Sheshadri mostra uma consideração rigorosa pela forma como as práticas tecnológicas podem romper a linguagem para criar algo original. Ela é surpreendentemente diferente de muitos de seus colegas de arte sonora, do tipo que passou a última década usando texto falado em modos diarísticos ou como uma forma de aproximar vídeos ASMR (um fenômeno que muitas vezes ignorou seus precedentes sonoros em poesia sonora, rádio peças e música acusmática). Em seu épico de 2020, “ Patty Live June ”, ela usa gravações de campo, eletrônicos que mudam de forma e recitações de texto para explorar a psicologia da síndrome de Estocolmo. Em Misfired Empathy , sua colaboração com o brincalhão inteligente Jack Callahan, qualquer discurso que ouvimos é regularmente mutilado para criar emoções conflitantes. Ela empurra sua prática ainda mais comInterior Monologues , um álbum solo que apresenta seu uso mais convincente do canto como uma plataforma de lançamento fonológica, textual e conceitual.
Em trabalhos anteriores, qualquer canto empregado por Sheshadri tinha um impacto em grande parte textural. Sob o apelido de Isolde Touch, vocais reverberantes lembram artistas como Julianna Barwick. Em Open Corner , sua dupla com Christian Mirande, momentos melódicos fugazes são apenas um elemento de uma colagem sonora robusta. Ao longo dos 29 minutos de Interior Monologues , ela canta “ Help Me ” de Joni Mitchell com uma terna casualidade – o tipo de vocalização que mal ultrapassa o limiar de falar/cantar, e tem a aparência de alguém andando por aí em casa. Sua mistura de versos editados, sobrepostos e não cronológicos cria um poema simultâneo produzido por tecnologia, e o efeito é evocativo. É fácil identificar as melodias ritmadas das falas de Mitchell “Ah, não foi bom?” e “When I get that crazy feeling'” tão profundamente apaixonado. Mas quando Sheshadri repete as palavras de Mitchell, uma sensação palpável de ansiedade vem à tona; sons encontrados e samples gaguejantes reforçam a impressão de que este é um momento ilusório congelado no tempo. Uma linha falada resume o clima: “Três horas de descrença total”.
Esse foco no temporário é destacado pelas imagens levemente editadas da capa do álbum de Dois cavalos de Charles Ray (2019). A peça exemplifica o que o escultor disse uma vez sobre o meio: “Uma escultura envelhece fisicamente à medida que desliza no tempo. Autoria, contexto e conteúdo desaparecem muito antes de a pedra escultural se transformar em areia.” Não é por acaso que o destaque de Court and Spark é a música que Sheshadri empunha aqui: sua letra faz referência a “I'm a Rambler, I'm a Gambler”, uma tradicional canção folclórica americana que foi interpretada por Bob Dylan e Joan Baez. Quando a segunda metade de Monólogos Interioresreforça o foco neste emparelhamento de texto recitado e música (e até inclui momentos em que o primeiro se transforma em canto), Sheshadri abraça a inevitabilidade da dissolução contextual. Reflexões sobre dois cavalos e a impermanência da pegada cultural de alguém são revisitados com pequenas variações, e têm o efeito de redirecionar gradualmente o que as palavras de Mitchell significam. O refrão de “Help Me” (“We love our lovin'/But not like we love our freedom”) é inicialmente um choque de realidade sobre um romance condenado, mas perto do final de Monólogos Interiores , a “liberdade” que Sheshadri canta sente relacionado a algo inteiramente diferente: a impossibilidade de compreender plenamente a arte em seus contextos originais. Encontre alegria, ela parece sugerir, em como a ignorância inevitável sempre gera algo novo.